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Jun 01, 2024

Into the Brightness: Künstler aus Creativity Explored, Creative Growth und NIAD

Elias Katz, ein Psychologe, und Florence Ludins-Katz, eine Künstlerin und Pädagogin, zogen 1966 in die Bay Area, als die Behindertenrechtsbewegung an Bedeutung gewann. Während Aktivisten in Berkeley

Elias Katz, ein Psychologe, und Florence Ludins-Katz, eine Künstlerin und Pädagogin, zogen 1966 in die Bay Area, als die Behindertenrechtsbewegung an Bedeutung gewann. Während Aktivisten in Berkeley für den Zugang zu grundlegenden öffentlichen Dienstleistungen kämpften, setzten sich die Katzes für künstlerische Kreativität als grundlegendes Menschenrecht ein und erkannten die Notwendigkeit von Gemeinschaftsprogrammen, um Menschen mit Entwicklungs- und geistigen Behinderungen zu helfen. Im Laufe der nächsten fünfzehn Jahre eröffneten die Katzes drei Kunststudios: das Creative Growth Art Center in Berkeley, das schließlich an seinen heutigen Standort in Oakland umzog; Förderung der Unabhängigkeit durch künstlerische Entwicklung (NIAD) im nahe gelegenen Richmond; und ihr drittes Studio, Creativity Explored in San Francisco.

Into the Brightness: Künstler von Creativity Explored, Creative Growth und NIAD bringen diese Studios zum ersten Mal zusammen, um die Vision der Katzs zu feiern. Die Ausstellung markiert einen wichtigen Meilenstein in der Art und Weise, wie der Zusammenhang zwischen Behinderung und Kreativität einer breiten Öffentlichkeit präsentiert wird. Bis vor Kurzem galten Künstler mit Behinderungen als Außenseiter, die häufig aufgrund kognitiver Unterschiede nur eingeschränkten Zugang zu kreativen Impulsen hatten. Into the Brightness lehnt die Unterscheidung zwischen Außenseitern und Insidern ab und bietet ein Modell dafür, wie wir beginnen könnten, die historische Bedeutung der Studios und die Bedeutung der künstlerischen Produktion, die sie fördern, zu erkennen. Während jedes Studio seine eigene Identität entwickelte, vertraten alle drei die grundlegende Behauptung der Katzs, dass alle Menschen das Bedürfnis und das Recht haben, ihren eigenen kreativen Ausdruck zu entwickeln. Kreativität muss nicht unbedingt gelehrt werden, glaubten sie, sondern man muss einfach die richtigen Umstände und die richtige Unterstützung erhalten, um sich zu entwickeln. „Into the Brightness“ zeigt, wie Künstler, die jetzt in diesen Studios arbeiten, immer noch die Philosophie der Katzs hochhalten.

Die in „Into the Brightness“ versammelte Kunst ist bemerkenswert vielfältig in ihrer Form und sozial in der Praxis. Videoporträts von Künstlern, die an der Ausstellung mitgewirkt haben, begrüßten mich, als ich die Ausstellung durch einen breiten Korridor betrat. An der angrenzenden Wand sah ich eine Panorama-Videoprojektion, die die täglichen Aktivitäten der drei Studios dokumentierte. Die erste und größte Galerie der Ausstellung mit dem einfachen Titel „Willkommen“ fühlte sich offen und einladend an, als würde man ein Studio voller kreativer und kollaborativer Energie betreten. Der große Raum ist ohne bestimmte Anweisungen oder Anleitungen gestaltet und ermutigt die Besucher, ihren eigenen Interessen zu folgen und mit Freude und Neugier voranzuschreiten. Eine Playlist mit einigen der Lieblingslieder der Künstler verdeutlicht die entscheidende Rolle der Musik im Studioumfeld. Tische und Bänke laden zum Zusammensitzen, Malen, Schauen und Zuhören ein. Bunte Textilien hängen an oben aufgereihten Drähten. Kleine Zeichnungen, Gemälde und Reliefskulpturen hängen salonartig an einer großen Wand. Ich saß eine Weile da und studierte das Arrangement als Ergebnis der gemeinschaftlichen Zusammenarbeit – ähnlich dem in der Nähe hängenden gemeinschaftlichen Wandgemälde – und konzentrierte mich dann auf jedes einzelne Stück als Ergebnis einer täglichen Praxis, die dem individuellen Ausdruck gewidmet war.

Die ausgestellten Arbeiten bleiben dem kreativen Ansatz der Katzs treu und gehen über alle Vorschriften darüber hinaus, wie Kunst aussehen sollte. Es umfasst Skulptur, Malerei, Zeichnungen, Textilien, Mode, Animation, Video und alles dazwischen. Mit mehr als achtzig Künstlern aus den drei Studios vermittelt die Ausstellung ein starkes Gefühl der Gemeinschaftsidentität und gründet die Arbeit gleichzeitig auf der individuellen Erfahrung jedes Künstlers. Ein langer, farbenfroher, gewebter Schal aus dem Jahr 2023 von Casey Byrnes ist über eine Schneiderpuppe drapiert. In einem daneben abgespielten Video stellt sich Byrnes in ASL vor und erklärt, dass er im Alter von zwei bis vierzehn Jahren auf die Iowa School for the Deaf geschickt wurde. Die Schule weigerte sich, Byrnes unterschreiben zu lassen, und zwang ihn, auf den Händen zu sitzen und mündlich zu kommunizieren. Jetzt identifiziert sich Byrnes als taub und queer. „Ich bin stolz, meine Kultur zu teilen“, erklärt er. Durch das Weben von Textilien und das Entwerfen von Kleidung kommuniziert und drückt Byrnes sich auf eine Weise aus, die ihm ein behindertengerechter Umgang mit Behinderungen lange Zeit verwehrt blieb.

„Into the Brightness“ betont den Prozess; Die ausgestellten Objekte sind ein Produkt der Zusammenarbeit in einem unterstützenden Umfeld, in dem Künstler Zeit haben, ihre eigene Kreativität und künstlerische Vision zu entwickeln. Tranesha Smith-Kilgores unbetiteltes Werk aus dem Jahr 2023 besteht aus drei Stalaktiten aus Stoff, die hoch oben hängen und über einem unten aufgetürmten Materialhaufen schweben. Um die Skulptur herzustellen, band Smith-Kilgore über mehrere Monate hinweg methodisch Garn- und Stoffstücke um Schlüssel, Perlen und andere gefundene Gegenstände. Seine unregelmäßige und additive Form erinnert an die langsame Entwicklung natürlicher Formen und betont die Geduld und Zeit, die für die Entstehung künstlerischer Kreativität erforderlich sind.

Der zweite Teil der Ausstellung, „The World Around and Within“, bietet eine Mischung aus Eindrücken der Alltagsrealität und imaginierten Zukünften. Seit 2014 produziert Jesus Salas „Interior of the Bus“, eine tägliche Praxis zur Dokumentation seiner Fahrt zum NIAD. Seine kartenartigen Zeichnungen dokumentieren die Regelmäßigkeit seiner Routine sowie die eigenwilligen, aber bedeutenden Veränderungen, die sich über einen langen Zeitraum ereignen. Eine nahegelegene Vitrine zeigt eine Reihe bemalter Postkarten, die vom Mail Art Club erstellt wurden und bei Creativity Explored entstanden, als ihr Studio während der Pandemie auf Materiallieferungen und Online-Sitzungen umstellte. Diese Praktiken stellen das menschliche Bedürfnis nach Verbindung und Beständigkeit in einer unvorhersehbaren und oft entfremdenden Welt in den Vordergrund.

„Sprache und Kommunikation“, der dritte Teil der Ausstellung, stellt Künstler vor, die sich mit den Beziehungen zwischen Bild und Text befassen. Die in diesem Abschnitt aufgeführten Künstler meistern die Anforderungen der Kommunikation mit bemerkenswerter Kreativität. Dan Millers körperlange Papierleinwand [work on paper--scroll] (2019) ist ein dichtes Netzwerk aus farbenfrohen Acryl- und Tuschemarkierungen, in dem die Grenzen zwischen Text und gestischem Pinselstrich zu verschwinden scheinen.

Andere Projekte in diesem Abschnitt untersuchen, wie Kommunikation eng mit der eigenen Umgebung verbunden ist. Nicole Storms „Our Sanctuary“ (2023) besteht aus abstrakten Gemälden in dünnen Blau-, Orange- und Rottönen auf braunem Karton, freistehenden Zylindern und Posterkartons unterschiedlicher Größe, die die Oberfläche eines Nischenraums vom Boden bis zur Decke bedecken. Storm findet ihr Material, indem sie die Flure und Lagerschränke von Creative Growth durchsucht, wo sie seit 1995 praktiziert. Um das Stück im Oakland Museum aufzustellen, legte Storm sich mit dem Rücken auf den Boden und wies einen Mitarbeiter des Museums an, der darüber schwebte in einem mechanischen Eimer, wo sie ihre Arbeit aufhängen kann. Anschließend malte und zeichnete sie die Wand zwischen den einzelnen Teilen, um eine ortsspezifische Installation zu schaffen, die das tiefe Gefühl der Zufriedenheit des Künstlers mit dem künstlerischen Prozess vermittelt.

„Nichts über uns, ohne uns“ wird von Aktivisten oft als Mantra der Behindertenrechtsbewegung beschworen. In diesem Sinne arbeiteten Künstlerberatungsgruppen aus jedem Studio mit den Kuratoren des Oakland Museums zusammen, um die Ausstellungsthemen zu entwickeln, die Werke auszuwählen und die Ausstellung zu gestalten. „Bei Into the Brightness geht es darum, unser wahres Selbst zu entdecken“, sagte mir Heather Edgar, deren Gemälde farbenfroher surrealer Landschaften in der Ausstellung zu sehen sind. „Wir müssen gesehen und gehört werden.“ Der Titel deutet auch auf eine bessere Zukunft hin, in der die künstlerischen Praktiken von Menschen mit Behinderungen Modelle für die Zusammenarbeit und den Ausdruck kreativer Freude bieten.

Pepper Stetler ist Professor für Kunst- und Architekturgeschichte an der Miami University in Oxford, Ohio. Im Jahr 2023 erhielt sie ein Art Writers Grant der Andy Warhol Foundation.