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May 28, 2024

Suzanne Jackson verschiebt die Grenzen dessen, was Farbe leisten kann

Am Tag nach der Wahl von Donald Trump zum Präsidenten starb Suzanne Jacksons Sohn, ein Schauspieler und Filmproduzent namens Rafiki Smith. Er hatte Anfang des Jahres einen Herzinfarkt erlitten, war aber immer noch betroffen

Am Tag nach der Wahl von Donald Trump zum Präsidenten starb Suzanne Jacksons Sohn, ein Schauspieler und Filmproduzent namens Rafiki Smith. Er hatte Anfang des Jahres einen Herzinfarkt erlitten, war aber immer noch durch Savannah, Georgia, gelaufen, wo er und Jackson lebten, um bei der Abstimmung zu helfen. Die beiden sahen sich Hillary Clintons Konzessionsrede an, und in dieser Nacht, als die Dunkelheit nachließ, erlitt er einen zweiten Herzinfarkt. Er war 45. „Zu dieser Zeit gingen viele jüngere und ältere Menschen aus“, erzählte mir Jackson und erwähnte den Ehemann eines Bekannten, der beim Fliegen seines Flugzeugs abstürzte, und eine Frau in Savannah, deren drei Söhne nacheinander eine Überdosis bekamen ein anderer. „Es war eine dunkle Zeit, eine schreckliche Zeit.“ Was Jackson kurzfristig rettete, sagte sie, war, dass ihr Sohn „so ein dummer Witzbold war und innerhalb einer Stunde alle seine Freunde anriefen und auf meiner Veranda standen, und ich sie tröstete.“ Was sie auf längere Sicht rettete, war ihre Kunst.

Jacksons Zuhause und Studio befinden sich in einem weitläufigen Haus aus dem 19. Jahrhundert in der Nähe des historischen Viertels von Savannah. Im Vorgarten, hinter einem alten Eisenzaun, steht ein von seinen Freunden errichtetes Denkmal für ihren Sohn. Kürzlich musste sie ein Schild anbringen, das die Leute warnte, draußen zu bleiben, nachdem jemand dort hineingegangen war, um ihren Wasserhahn zu benutzen, und es dabei geschafft hatte, eine Reihe von Muscheln umzuwerfen. Jackson sagte, ein Interviewer habe sie kürzlich gefragt, was die wichtigsten kreativen Impulse in ihrem Leben gewesen seien. Ihre Antwort: „Als mein Sohn geboren wurde und als mein Sohn starb.“

Sie trauerte um seinen Verlust, indem sie sich in ihre Arbeit stürzte: abstrakte Gemälde, in denen sie Acrylfarbe dazu bringt, eher wie eine Skulptur zu wirken, in einem immer größeren Maßstab. Anfang 2017 besuchte sie eine Präsentation über den Künstler Nick Cave im Jepson Center, dem größten Museum für zeitgenössische Kunst in Savannah; Am Ende des Vortrags erwähnte die Rednerin, Jepson-Kuratorin Rachel Reese (jetzt Rachel Waldrop), dass sie für zukünftige Ausstellungen nach großen Werken wie Caves suche.

Als Jackson vor dem Vortrag die Cave-Show durchging, fiel ihm auf, dass er sich auf die Prügel auf Rodney King bezog. Zu dieser Zeit trug sie zufällig Armbänder, die sie an dem Tag, als King starb, in Watts in Los Angeles gekauft hatte. Sie fühlte sich durch den Zufall gestärkt und sagte: „Ich bin Suzanne Jackson und ich mache große Gemälde.“

Jackson machte seit den frühen 1960er-Jahren Kunst, doch ihr größter Erfolg in den 70er-Jahren war längst vorbei und sie wurde vor allem durch die Galerie 32 bekannt, die sie Ende der 60er-Jahre in Los Angeles gründete und drei Jahre lang leitete. Sie zeigte unter anderem David Hammons, Dan Cocholar, Betye Saar und Senga Nengudi in einem bahnbrechenden Raum.

Im Jahr 2006 erhielt Jackson während seiner Lehrtätigkeit am Savannah College of Art and Design eine E-Mail von einem Kurator der College Art Association (CAA), in der er sich nach Galerie 32 erkundigte. „Ich dachte, die Leute hätten es vergessen“, erzählte mir Jackson. Sie schrieb zurück und wurde zur diesjährigen CAA-Konferenz in Boston eingeladen, wo sie ihre alten Folien hochlud und einen Vortrag mit dem Titel „Galerie 32: Risiko, Innovation, Überleben – Ende der Sechziger“ hielt.

Anschließend organisierte ein Konferenzteilnehmer 2009 eine Ausstellung über die Galerie 32 an der Loyola Marymount University in LA. „Es war in Ordnung“, sagte Jackson. „Aber als die Leute dann von Gallery 32 hörten, fragten sie mich nur danach.“ Später kamen die Wanderausstellungen „Now Dig This!“ hinzu. Art and Black Los Angeles 1960–1980“ und „Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power“, die beide Verweise auf Gallery 32 sowie Jacksons ältere Arbeiten enthielten.

Die zunehmende Aufmerksamkeit weckte das Interesse an Jacksons aktuelleren Arbeiten: Eine Gruppe frischgebackener Absolventen des Hunter College in New York lud sie 2015 ein, eine Ausstellung in Temporary Agency, ihrer von Künstlern geführten Galerie in Ridgewood, Queens, zu veranstalten. Dort debütierte Jackson 2013 mit ihrem Tondo Woodpecker's Last Blues, in dem Acryl mit Hirschnetzen, Spechtfedern, Blättern und Teerpappe kombiniert wird.

Im Jahr 2019 ging es schnell: Eine Ausstellung von Jacksons Werken im Jepson Center in Savannah umfasste Woodpeckers „Last Blues“ sowie 40 weitere Stücke aus den 1960er Jahren bis zur Gegenwart, wobei das jüngste etwa 18 Fuß breit war. Im selben Jahr veranstaltete eine Galerie namens O Townhouse im selben Gebäude, in dem sich die Galerie 32 befand, eine Ausstellung von Jacksons jüngsten Arbeiten. Ales Ortuzar, ein Kunsthändler, der für den Mega-Galeristen David Zwirner gearbeitet hatte, besuchte O Townhouse, um Arbeiten eines anderen Künstlers zu sehen, und Jacksons Arbeiten faszinierten ihn. Nachdem er Ortuzar Projects gerade in New York eröffnet hatte, flog er zu einem Besuch nach Savannah und bot ihr vor Ort eine Show an.

Jacksons erster Solo-Auftritt in New York mit einem etablierten Händler begann im Herbst 2019 und erhielt begeisterte Kritiken in der New York Times, dem New Yorker und Art in America. Ortuzar gelang es, Gemälde beim Museum of Modern Art, SFMOMA, dem Baltimore Museum of Art und dem Walker Art Center sowie bei Sammlern wie Pamela Joyner und Komal Shah zu platzieren. Es folgten weitere Ausstellungen, darunter eine in der Mnuchin Gallery, wo Jackson zusammen mit vier ihrer männlichen Kollegen auftrat: Sam Gilliam, David Hammons, Al Loving und Joe Overstreet. „Ich war so glücklich über diese Show, weil ich bei den Großen war“, sagte sie.

Unterdessen schuf Jackson immer wieder neue Werke. „Ich war hier drin und habe wie verrückt gejammt“, erzählte sie mir kürzlich bei einem Besuch in ihrem Studio. Im Alter von 76 Jahren zahlte sie ihre Hypothek und schließlich auch ihr Studiendarlehen ab. Ihre erste institutionelle Ausstellung in Europa – in der Galleria d'Arte Moderna in Mailand – wird im September eröffnet. In einer Zeit, in der Maler umfassend über die Zukunft ihres Mediums nachdenken, steht Jackson als Vorbild. Wie Glenn Adamson vor nicht allzu langer Zeit in Art in America schrieb: „Jackson fühlt sich gleichzeitig wie eine ältere Staatsfrau und … wie ein Neuankömmling in der Szene.“

Ungefähr zur Zeit ihrer Museumsausstellung in Savannah im Jahr 2019 stellte Jackson eines ihrer bisher ehrgeizigsten Stücke fertig, Saudades, das nicht nur einen, sondern drei hängende Teile hat. Der Titel ist ein portugiesisches Wort, das sich auf ein Gefühl der Sehnsucht, Melancholie oder Nostalgie bezieht. Für die Arbeit verwendete Jackson Stoff aus einem T-Shirt ihres Sohnes und einer Krawatte ihres Vaters sowie die Metalldeckel der Fässer aus den 1930er-Jahren, die ihre Mutter ihr ganzes Leben lang benutzte, um ihre Töpfe und Pfannen in ein neues zu transportieren Haus.

Für eine Ausstellung im Arts Club of Chicago letztes Jahr fügte sie Saudades ein weiteres Element hinzu, einen Abschnitt aus Acryl in einem Grünton, den sie aus einer Gruppe von Werken, die sie für eine Ausstellung in Glasgow angefertigt hatte, umfunktionierte. Die neue Komponente stellt eine Katze dar, die ihr Sohn ihr 2010 geschenkt hatte und die kürzlich gestorben war. „Ich sehe ihn immer noch da stehen“, sagte sie mir und deutete auf die Küchentür, „die Katze im Arm haltend.“

Im Jahr 1990 erlitt Jackson einen Verlust ganz anderer Art, als sie ihr Graduiertenstudium in Yale abschloss: Kisten über Kisten voller Kunstwerke, Kleidung, Antiquitäten und Bücher (einschließlich des Babybuchs ihres Sohnes), die sie in einem Schließfach aufbewahrt hatte; Sie musste alles versteigern lassen, da sie eine Monatsmiete nicht zahlen konnte. Der Mann im Lagerraum brachte ihr eine Kiste mit Büchern zurück, alte Taschenbücher aus den 60er und 70er Jahren – Siddhartha, Franny und Zooey – die sie heute in einem speziellen Regal in ihrem Büro aufbewahrt. Jackson erinnert sich, wie der Lagermann ihr sagte: „Ihre Auktion war eine Erstauktion“ und bezog sich dabei auf ihre anderen Besitztümer; Dazu gehörten eine winzige Peter-Voulkos-Keramik, die sie zu einer Halskette verarbeitet hatte, und ein aufwendiges Kostüm, das sie trug, als sie kurz Striptease tanzte, um Geld zu verdienen, während sie Gallery 32 leitete. Der Mann, der das Kostüm entworfen hatte, hatte in der Varieté-Szene gearbeitet und wusste, wie man bastelt Bühnenkleidung, die die überzeugende Illusion vermittelte, dass ein Künstler sie auf nichts reduzierte. „Es hatte all diese Teile, die man abnehmen konnte oder die auseinanderfielen“, sagte Jackson. „Striptease ist wirklich eine Kunst.“

Jackson erinnert sich an die Erfahrung von Gallery 32 als einen Kampf, der einen Striptease notwendig machte. Sie organisierte einmal eine Kunstausstellung eines Postboten. „Alle in der Stadt kamen, weil er als Postbote Kunst herstellte“, erinnert sie sich. „Ich musste im Verein arbeiten gehen. Ich dachte: „Moment mal – ich muss in Clubs tanzen gehen, um diesen Raum für andere Künstler offen zu halten.“ Niemand hilft mir. Ich hatte kein Geld. Ich habe es alleine gemacht.“

Jackson wurde 1944 in St. Louis geboren und ihre Familie zog nach San Francisco, als sie neun Monate alt war. Ihr Vater war hellhäutig und konnte leicht mit Italiener oder Mexikaner verwechselt werden, was ihm einen gewissen Zugang verschaffte (er trat dem brüderlichen Freimaurerorden bei, wo er in den höchsten Rang aufstieg) und ihm Gelegenheiten verschaffte, wie zum Beispiel das Fahren einer Seilbahn. Ihre Mutter war Näherin.

Als Jackson 16 war, schenkte ihr Vater ihr einen Satz Ölfarben. Zu diesem Zeitpunkt lebte die Familie in Fairbanks, Alaska, wo ihr Vater bei der Eisenbahn arbeitete. Alaska vor der Staatlichkeit war ein wilder Ort voller Menschen mit wechselvoller Geschichte, die dorthin gingen, um sich zu verstecken. Die kleine Bevölkerung war eine Mischung aus Rassen und Nationalitäten. Kanadische Mounties ritten mit ihren Pferden den Yukon River entlang. Kinder fuhren an den heißen Quellen in der Nähe des Polarkreises Ski. Im Rahmen des 4-H-Jugendentwicklungsprogramms reiste Jackson zu einer jährlichen Konferenz nach Chicago. Das Jet-Magazin machte ein Foto: Sie war das erste schwarze Mädchen, das jemals teilnahm.

Nach seinem College-Abschluss in San Francisco und einer Tournee durch Südamerika mit einer Ballettkompanie zog Jackson nach Los Angeles. Aber die einzige gute Ballettgruppe, die es gab, war in Beverly Hills, zu weit mit dem Bus. Es war einfacher, Kunst zu machen, also begann sie bei dem berühmten schwarzen figurativen Maler Charles White zu studieren und überredete einen Vermieter, ihr Räumlichkeiten in den Granada Buildings zu überlassen, angeblich zur Nutzung als Galerie (Künstlerateliers waren damals etwas verdächtig). ). Zwei gute Freunde, David Hammons und Dan Cocholar – „sie nannten uns die drei Musketiere“, sagte Jackson – ermutigten sie, eine Galerie zu eröffnen. Das tat sie und leitete ab 1968 die Galerie 32 auf ihre ganz eigene Art und Weise. „Ich erinnere mich, dass sie ihren eigenen Stil hatte“, schrieb Betye Saar später in einem Aufsatz, „und sie fuhr einen Leichenwagen.“

Sie schloss die Galerie Monate vor der Geburt von Rafiki, ein Ereignis, das zu einem kreativen Schub führte. Sie begann viele Gemälde zu malen und unterschrieb bei der Ankrum Gallery in LA. Mit ihren exquisiten, verwaschenen Bildern von Tieren und Figuren können Jacksons Gemälde vor dem Hintergrund der politischen Unruhen dieser Ära erschütternd wirken. Als sie kurz nach der Watts-Rebellion 1965 nach LA zog, fühlte sie sich kaum mit den Unruhen dort verbunden. In Alaska war Rassismus, wie sie sich erinnert, kein großes Thema und in San Francisco herrschte eine weniger hitzige Politik. „Ich wollte Schönheit malen“, sagte Jackson, „auch wenn das ein Schimpfwort war.“ Manche Rezensionen aus dieser Zeit lesen sich fast so, als seien sie erleichtert über den Mangel an politischen Inhalten. „Als Kommentare zu ihrer eigenen Schwärze zeichnen sich [die Werke] durch ihren Mangel an Bitterkeit und Protest aus“, heißt es in einem Artikel der Los Angeles Times aus dem Jahr 1972.

Jackson war ehrgeizig und es hat sich ausgezahlt. Eine Strecke im Essence-Magazin aus dem Jahr 1974 zeigte sie auf einem Diwan in einem gerüschten Rayon-Wickelkleid und nannte Bill Cosby und Cannonball Adderley unter denen, die ihre Arbeiten kauften. Vincent Price kaufte ein Stück. Sie nahm einen Auftrag von Sonny Bono an. Eines ihrer Gemälde erschien 1977 im Film Looking for Mr. Goodbar und schmückte die Wände in einer Szene mit Diane Keaton und Tuesday Weld.

In den frühen 80er Jahren zog Jackson 100 Meilen südöstlich von LA nach Idyllwild in den San Jacinto Mountains, wo sie bis 1985 an der Idyllwild School of Music and the Arts unterrichtete; Ihr Atelier wurde kleiner und ihre Arbeit folgte diesem Trend. 1987 zog sie erneut um: nach New Haven, um die Graduiertenschule für Bühnenbild an der Yale School of Drama zu besuchen. „In Connecticut erlebte ich zum ersten Mal, dass Menschen auf die andere Straßenseite gingen, als sie dich kommen sahen“, sagte Jackson über den Rassismus, den sie dort erlebte. Obwohl sie 44 Jahre alt und bereits eine versierte Künstlerin war, sagte sie, sie habe immer das Gefühl gehabt, dass es Leute gab, die sie für ein positives Eingeständnis hielten.

Nach ihrem Abschluss war sie sechs Jahre lang als freiberufliche Bühnenbildnerin tätig. Zurück in der Bay Area sicherte sie sich auch ein Atelier im Gebäude der Oakland Cannery, das Künstler bewohnten, seit der abstrakt-expressionistische Maler Arthur Monroe in den 70er Jahren dort zu leben begann. Im Jahr 1994 gab sie das Streben nach Stabilität auf und nahm eine Stelle als Dozentin für Bühnenbild am Saint Mary's College of Maryland an. 1996 kam ein Stellenangebot vom Savannah College of Art and Design; Unzufrieden in Saint Mary's, und als sie sich an ein gutes Erlebnis bei einer Ausstellung im SCAD im Jahr 1981 erinnerte, als die Schule erstmals eröffnet wurde, nahm sie an.

In Savannah bezog Jackson eine Wohnung mit Wendeltreppe und malerischem Blick auf den Forsyth Park. „Es war einfach wunderschön in Savannah. Ich dachte, ich wäre gestorben und in den Himmel gekommen“, sagte sie. Ihre Mutter schloss sich ihr bald aus New Haven an, wohin sie Jackson aus San Francisco gefolgt war. Die Wohnung war nicht groß genug für sie beide, also fand Jackson ein weitläufiges Doppelhaus im griechischen Stil aus dem Jahr 1890 im Metropolitan District. Dort konnte sie bequem leben und arbeiten. „Das war das 15. Studio, das ich in meinem Leben hatte“, sagte sie. „Ich beschloss, 30 Jahre zu bleiben.“

Der Unterricht, den sie unterrichtete, nahm sie nachmittags und abends in Anspruch, sodass sie um 5 Uhr morgens aufstand, um zu malen. In Savannah, sagt Jackson, habe sie „wirklich mit dem Malen begonnen“. Das Licht erinnerte sie an das Licht in Los Angeles: lang und anhaltend. Sie hatte einige Leinwände aus Maryland mitgebracht, figurative Werke, und sie dachte, sie würde in diesem Sinne weitermachen. Sie saß im Forsyth Park und beobachtete die Menschen, die von der Ostseite nach Westen gingen, wobei sie den älteren Schwarzen ihre größte Aufmerksamkeit schenkte und sich fragte, was sie dachten und wie es gewesen sein musste, während der Bürgerrechtsbewegung und der „Segregation“ in Savannah zu sein , was ich nie wirklich durchmachen musste.“

Sie begann mit Abstraktion zu experimentieren und „mit Farbe zu spielen“. Wenn sie über ihre Studiopraxis spricht, verwendet sie immer noch häufig Ausdrücke wie „Herumalbern“ oder „sich daneben benehmen“; Damals, so vermutete sie, schenkte ihr sowieso niemand Aufmerksamkeit, also beschloss sie, etwas Spaß zu haben. Sie hörte auf, auf gespannter Leinwand zu arbeiten, und begann mit Acrylfarben zu experimentieren, mit denen sie seit den 1960er Jahren arbeitete, als diese erstmals erhältlich waren. Letztes Jahr erzählte sie den Mitgliedern eines Gremiums in Chicago, dass sie „das Gute, das Schlechte und das Böse von Acryl durchgemacht hat“.

Jackson hörte 2009 auf zu unterrichten. Während des Kunstmarktbooms, der zu der Rezession im Jahr zuvor führte, schienen sich ihre Schüler auf die falschen Dinge einzulassen und ihre Motivation mehr auf Geld und Ruhm zu verlagern. Ihre eigene Arbeit entwickelte sich weiter und nun konnte sie sich voll und ganz darauf konzentrieren. Arbeiten, die sie auf Bogus-Papier angefertigt hatte, einem starken Recyclingpapier, das sie während ihrer Jahre als Bühnenbildnerin entdeckt hatte und das sie in zerknitterten Fetzen übereinander zu schichten begann, begannen sich von der Wand wegzubiegen, was sie ermutigte. Sie fing an, die Dinge noch weiter voranzutreiben: Vielleicht könnte das Acryl alleine standhalten und die Bilder könnten eine Art Transparenz erreichen, durch die Licht fließen könnte. Ihr Aha-Moment kam, als ihr klar wurde, dass sie eine Pfütze Acrylmedium auf einen mit Kunststoff ausgekleideten Arbeitstisch gießen, formen, trocknen lassen und es dann von der Studiodecke hängen konnte – genau wie sie als Bühnenbildnerin Bühnenbilder aufgebaut hatte.

Durch das Aufhängen der Bilder kann sie beide Seiten bemalen und das anwenden, was sie als „altmodische malerische Qualitäten“ bezeichnet. Eine Arbeit mit großen braunen Pinselstrichen zeigt, was sie „große Schokoladentafeln aus Acryl“ nannte. Dass ihre Bilder ein Gegenstück sind, hat nichts mit Jacksons ökologischer Einstellung zu tun: Wenn man etwas in eine sterbende Welt schickt, kann man genauso gut das Beste daraus machen.

Ihr ganzes Leben lang hat sie in die Natur investiert: Sie hat ihren Hinterhof in Savannah als Naturschutzgebiet registrieren lassen. Sie machte es üppig wie einen Dschungel, züchtete Setzlinge zu hohen Bäumen und kultivierte Früchte und Blumen. Zwischen Cherokee-Rosen wachsen Pfirsiche, Granatäpfel und Muscadine-Trauben auf einem Spalier. Die Natur hat für ihre Kunst schon immer hohe Maßstäbe gesetzt: 1973 schrieb sie an ihre Händlerin Joan Ankrum über einige tropische Vögel, deren „Farben fantastisch leuchtend waren und mit nichts zu vergleichen waren, was ich jemals aus einem Farbglas herausholen könnte.“ .“

Das Leben im Savannah Lowcountry – geprägt von Flussmündungen, Salzwiesen, Sandstränden und der von ihnen abhängigen Tierwelt – hat sie aufmerksamer für die Auswirkungen von Farbe auf die Umwelt gemacht, insbesondere als das Waschbecken in ihrem Studio verstopft war und sie einem Klempner dabei zusah, wie er Acryl abkratzte aus den Abflussrohren. Sie wollte nicht, dass ihre übrig gebliebene Farbe die Erde zerstört, also baute sie einen Peeling-Schritt in ihre Praxis ein, indem sie getrocknetes Acryl von Spachtelmessern und Gläsern abkratzte, wie es der Klempner tat, und Reste wieder in ihre Bilder einbaute. „Als ich in Alaska aufwuchs, hast du alles genutzt“, sagte Jackson.

Während die Ökologie des Südens in ihre Bilder eingedrungen ist, ist auch die schmerzhafte Vergangenheit der Region eingedrungen. „Seit ich im Süden bin, habe ich so viel gelernt“, erzählte sie mir. „Es gibt schreckliche Geschichten darüber, wie die Menschen hier behandelt wurden.“ Ihr Gemälde „Crossing Ebenezer“ aus dem Jahr 2017 zeigt in klarem Acryl aufgehängte rote Obst- und Gemüsesäcke, die auf Hunderte frisch emanzipierter Sklaven verweisen, die 1864 bei der Überquerung des Ebenezer Creek in Savannah ertranken. Als ich sie besuchte, hing im Atelier das fast drei Meter hohe Säulenwerk „A Hole“. im Marker – Mary Turner 1918 (2020); Der Titel bezieht sich auf eine Frau, die 1918 während ihrer Schwangerschaft gelyncht wurde. Seine Besitzerin ist die Sammlerin Pamela Joyner, und es war zur Erhaltungskontrolle bei Jackson. Das Gemälde ist goldfarben, mit einem dunkelblauen Kreis oben; Jackson hat darin die Originalfigur nachgemalt. Vorhangspitze ist in die Farbe verstrickt, und durch einen eindringlichen Zufall erfuhr Jackson nach der Fertigstellung des Gemäldes, dass Meta Vaux Warrick Fuller, Künstler der Renaissance aus Harlem, kurz nach seinem Vorfall ebenfalls an den Vorfall erinnerte – ebenfalls mit Goldfarbe.

Heutzutage genießt Jackson das Leben in Savannah nicht mehr so ​​sehr. Ihr mittlerweile gentrifiziertes Viertel ist zu einer Touristenattraktion geworden. Auf der gegenüberliegenden Straßenseite ist heute ein eingezäunter Bereich mit Imbisswagen und Spielen (für den Zutritt ist eine Kreditkarte erforderlich) und einer Kleinbrauerei in einem alten Haus aus dem Jahr 1910, die einst eine hübsche, grasbewachsene Passage war. Sie mag das Pärchen, das den Betrieb betreibt die Brauerei: Sie stellten für ihre Show im Jepson Center ein besonderes Gebräu her, das Miss Suzanne. Aber es macht ihr nicht mehr so ​​viel Spaß, auf ihrer Veranda herumzuhängen wie früher.

Sie denkt über einen Umzug nach, vielleicht in fünf Jahren – wenn sie das Ende der 30 Jahre erreicht hat, in denen sie bleiben wollte. Bis dahin wird sie mit ihrem Haus und ihrem Grundstück, das sie ihre „Insel der Bäume“ nennt, zu kämpfen haben. Seitdem sich ihre Kunst wieder verkauft, steckt sie Geld in eine Stiftung und hofft, das Haus in eine Künstlerresidenz umzuwandeln. Ihr nächster Schritt besteht darin, zu versuchen, das Haus in das National Register of Historic Places aufzunehmen, nachdem sie in ihrem Garten die Überreste einer stillgelegten Eisenbahnlinie aus dem 19. Jahrhundert gefunden hat, die einst von der Innenstadt nach Tybee Island führte.

Es gibt auch unmittelbarere Bedenken. Als ich im Juni dort war, gab es gerade einen Kälteeinbruch und die Pflanzen brauchten etwas Liebe. Zu ihren Kunstwerken, die sie im Alter von 79 Jahren weiterhin vorantreibt und vorantreibt, sagte Jackson: „Es ist immer ein Rätsel, ins Studio zu gehen. Ich weiß nicht, was passieren wird. Es ist jedes Mal anders. Im Moment glaube ich, dass ich mich in einem weiteren Übergang befinde.“